Going Underground: DEATH LINE (AKA RAW MEAT) À 50 ans

"Il existe de nombreux produits que vous pouvez acheter pour éloigner les mouches de la confiture et les souris du fromage. Voici quelque chose pour éloigner le public des cinémas... Le réalisateur responsable est Gary Sherman [1] et je voudrais le condamner à la Circle Line." ― Anon, Daily Express, Royaume-Uni, 1972 [2]

Politiciens miteux et corrompus, faillite, chômage de masse, politiques étrangères, attentats à la bombe sanctionnés et compression de l'État-providence... il semblerait que rien n'ait beaucoup changé au Royaume-Uni depuis 1972. En effet, rien de tout cela ne se limite à une mentalité de "Petite Angleterre" ― les riches se remplissent les poches (et le ventre) alors qu'ils se nourrissent des pauvres ― alors que le reste du monde se consume dans le chaos. Il n'est donc pas surprenant que le cannibalisme et le colonialisme soient si intrinsèquement liés, offrant la plus frappante des analogies pendant les périodes de traumatisme collectif sous le régime conservateur. Souvent, dans ces histoires, l'ignorance de l'homme moderne empiète sur quelque chose que nous avons laissé loin derrière nous et qui nous consumera tous. Indigène, indigène, primordial ; "sauvage". Les débuts carnivores de Gary Sherman, Dead Line - après avoir lancé son avertissement féroce il y a un demi-siècle - parviennent toujours à rapprocher la menace de la maison, en s'attaquant à la moelle de la Grande-Bretagne et de "l'establishment". A deux pas des effets fades des productions Hammer et Amicus, voici HG Wells à travers le réalisme granuleux [3] et la conscience sociale de George A. Romero ; une satire souterraine mordante qui mâche le paysage et cueille les os avec des détails sanglants.

Calendrier

Sorti quelques mois seulement après The Man from Deep River d'Umberto Lenzi ― souvent considéré comme le premier film cannibale ― et près d'une décennie avant Cannibal Holocaust de Ruggero Deodato, Death Line s'intéresse davantage aux commentaires sur le système de classes qu'aux aspects plus larges de l'impérialisme. De tels thèmes étaient souvent présentés dans les tristement célèbres films d'exploitation italiens (pour le meilleur ou pour le pire), dont la plupart sont devenus des exemples déterminants du sous-genre. Moins de jungle, on est ici en territoire de légendes urbaines, évoquant des histoires inspirées des premiers tunnels creusés sous les villes industrieuses du 19ème siècle.

La mort était partout et les villes se sont développées, ainsi que tous les problèmes de restauration des masses. Après le Great Stink de 1858, le Parlement britannique a finalement réalisé l'urgence de rediriger les déchets loin de la Tamise ― une rivière de pisse et de merde ― pour résoudre le problème et créer un système d'égouts moderne [4]. La construction coïnciderait avec les débuts du métro de Londres ; l'ouverture du chemin de fer métropolitain en 1863 a non seulement signalé le premier tunnel, mais aussi le premier chemin de fer souterrain ― s'étendant tout au long du siècle ― s'enfonçant de plus en plus autour de sa capitale. À partir de ce moment, les légendes victoriennes se sont développées; l'afflux d'imprimés de masse (et leurs histoires) inspirés par le creusement constant de tunnels ― qui verrait tout, des Penny Dreadfuls aux éditoriaux, stimuler l'imagination ― et, à son tour, attiser la peur et la frénésie.

Prenez le "Black Sewer Swine of Hampstead", dans lequel les gens croyaient que les égouts de Londres étaient remplis de porcs monstrueux. Certains pensaient que ces créatures trouveraient un jour un moyen de sortir de leur maison sordide et se révolteraient dans toute la ville ― c'était l'une des nombreuses histoires ― celle-ci basée sur l'idée folle d'une truie enceinte se retrouvant dans les égouts, sa progéniture muté par les eaux usées dont ils se nourrissaient. Pas trop différent des légendes urbaines américaines des alligators errant dans les égouts de New York à la fin des années 1920 et au début des années 1930.

Bien sûr, comme déjà évoqué, il existe des exemples classiques dans lesquels Death Line partage d'autres parallèles. Les observations satiriques de la nouvelle de HG Wells The Time Machine ― la division (évolutive) des Morlocks et des Eloi ― étaient une métaphore aiguë de la division des classes. Wells a également plongé profondément dans le potentiel mythique des systèmes souterrains qui ont alimenté la conscience publique. "Dans l'Angleterre victorienne, une telle fiction jouait sur les inquiétudes générales concernant le coût de l'industrialisation et l'issue logique du capitalisme…" [5] En effet, les riches s'enrichissent tandis que la classe ouvrière opprimée est reléguée à la clandestinité. Une condition "sous-humaine" évoquée avec éloquence dans le passage suivant :

"Donc, à la fin, au-dessus du sol, vous devez avoir les Nantis, recherchant le plaisir, le confort et la beauté, et sous terre les Démunis, les Travailleurs s'adaptant continuellement aux conditions de leur travail." Des conditions qui conduiraient au cannibalisme alors que les "riches" cueillettes des Eloi passifs devenaient leur source de nourriture. Territoire familier…

Scénario

Le voyage dans le temps ici implique Victoriana en passant par Londres en 1972. Depuis le décalage, la caméra se concentre sur un homme dos à la caméra portant un chapeau melon ― une image de respectabilité ― juxtaposé par le Technicolor sinistre d'un spectacle de chair Soho des années 70; Brolly raide à la main, c'est (apparemment) un « bonhomme avec beaucoup de bâton » alors qu'il sort d'un cabaret de strip-tease, se mêlant à la racaille. Il devient plus tard évident qu'il est un fonctionnaire du nom de James Manfred "OB bloody E", joué par James Cossins; l'un des nombreux acteurs de sitcom britanniques (de base) du film. Après une altercation avec une prostituée à la gare de Russell Square, il est attaqué par un agresseur invisible et, par la suite, retrouvé inconscient par un couple d'étudiants, l'Américain Alex (David Ladd) [6] et sa petite amie britannique Patricia (Sharon Gurney). Quand ils reviennent avec un policier, le corps de Manfred a disparu.

Avec d'autres rapports faisant état de personnes disparues au même endroit, l'inspecteur de police Calhoun (Donald Pleasence) de Scotland Yard et son partenaire, le sergent-détective Rogers (Norman Rossington), commencent à enquêter plus avant sur la situation. Il est bientôt mis en lumière par un autre collègue, l'inspecteur Richardson (Clive Swift), que les tunnels sous Londres ont une histoire, dont l'une impliquait des cheminots victoriens, qui en 1892, ont été piégés par un effondrement et jamais secourus par l'entreprise pour laquelle ils travaillaient en raison du coût. Se reproduisant et se nourrissant de la société au-dessus du sol pendant des générations, il semblerait maintenant qu'ils aient survécu; à la fin du film, un mausolée de cannibales momifiés pour le prouver. Immédiatement après que Calhoun a appris cette histoire, nous passons à une scène cruciale…

Filmée dans un tunnel désaffecté à Shoreditch, une séquence étonnante de sept minutes fournit un travelling qui commence à tourner en rond et nous entraîne dans les quartiers sinistres. Révélant chair et os, un rat ronge un bras infesté d'asticots jonchant le sol humide. Le ruissellement de l'eau se mêle à un battement de cœur qui accroît encore l'anxiété de la prise de vue, et alors que la caméra continue de faire le tour de l'espace, nous reconnaissons Manfred – est-ce son battement de cœur ou le nôtre ? ― avant que d'autres victimes cannibalisées ne soient montrées accrochées aux murs. C'est du pur Madame Tussauds jusqu'à ce que nous rencontrions "l'homme" et la "femme" responsable.

Pendant tout ce temps, alors que les activités caverneuses et carnivores de l'Homme sont révélées, on nous montre un contraste saisissant ― le confort et l'inconfort de la maison ― entre l'appartement de luxe de Manfred et le sous-sol oublié. En plus de cela, il y a la bureaucratie, qui s'étend jusqu'à (et révèle) le caméo de Christopher Lee en tant que mystérieux agent du MI5 ; son gouvernement dissimule un rappel aux responsables du licenciement des travailleurs il y a 80 ans, mais rappelle aussi étrangement la paranoïa à laquelle nous avons tous été confrontés ces trois dernières années.

Ligne de production

Présenté par Jay Kanter et Alan Ladd Jr. ― travaillant en dehors du système des studios ― Le ton transnational de Death Line résultait du fait qu'il restait une production cinématographique britannique avec un producteur (Paul Maslansky) et réalisateur américain à la barre. Regarder le film et comprendre les personnes impliquées est tout à fait logique qu'il s'aligne davantage sur l'horreur américaine plus nihiliste de l'époque. Parfois, cela ressemble à un précurseur naturel de The Texas Chain Saw Massacre, tandis que d'autres moments vous rappellent l'incroyable cinématographie de Dean Cundey qui a capturé les effets amorphes et nihilistes de Rob Bottin de The Thing. Il semble y avoir une relation similaire entre Death Line et le classique de John Carpenter. Ici, les effets de maquillage spéciaux de l'acteur oscarisé Peter Frampton (son père vétéran Harry sur les dessins) résistent également aux gros plans extrêmes. Photographié par le regretté directeur de la photographie Alex Thomson, dont les travaux comprenaient Excalibur, Labyrinth et Alien 3, a placé la barre haute pour la plupart dans son domaine. L'art ne s'arrête pas là. Sous sa prémisse dérangeante, il y a tellement de choses à aimer dans le film; un pré-Loomis Pleasance fortement penché sur le stéréotype cockney; ses petites bizarreries de se moucher partout et d'exiger son "thé!" garder ses démarches assez légères. La partition du compositeur Jeremy Rose et du rockeur progressif Wil Malone est également une signature, frappant un bosquet étrange de cacophonie kitsch ― une bouffée de la partition Get Carter de Roy Budd ― s'apaisement aux échos obsédants des cris parmi la terre effondrée des tunnels.

Ensuite, il y a la performance de Hugh Armstrong dans le rôle de l'Homme. Offert à l'origine à Marlon Brando - qui a dû se retirer du rôle parce que son fils était malade à l'époque - il est difficile d'imaginer quelqu'un d'autre dans le rôle, Armstrong livrant l'une des meilleures performances d'horreur que vous aurez jamais vues. Il y a une innocence et une limitation à la Groot en jeu alors qu'il exprime les seuls mots qu'il peut articuler - "Attention aux portes" - répétés avec une livraison et un ton variés dans ce qui, finalement, devient une tentative désespérée de communiquer et de se connecter avec le monde ci-dessus. Malgré son environnement sinistre, une nature sympathique est exposée alors que nous commençons à être témoins de la douleur émotionnelle et physique alors qu'il s'occupe de sa femme malade, une dose de vulnérabilité semblable au monstre classique de Karloff. Le jeu physique d'Armstrong alors qu'il tente de réconforter son partenaire mourant est dérangeant mais tout aussi attachant, une scène essentielle pour comprendre le développement du personnage.

Comme souligné, il y a beaucoup à élever le film au-dessus du territoire du film B. Habilement dirigé, il plonge profondément; le commentaire "brut" lui-même aide à révéler l'un des monstres les plus sympathiques mis à l'écran alors que l'Homme marmonne et se fraye un chemin dans son antre, réalisant qu'il est le dernier de son espèce à s'installer. Bien que les influences originales de Sherman soient enracinées dans une grande partie de la même inspiration horrible que The Hills Have Eyes de Wes Craven ― par le biais de Sawney Bean et de son clan cannibale ― Sherman a quand même (miraculeusement) réussi à éviter de le traiter comme un animal. L'Homme n'a pas connu autre chose, coupé de la société, lui prêtant un semblant d'humanité avec lequel nous pouvons (étrangement) sympathiser. Ce qui devient une exploration des peurs de base inhérentes à la fiction victorienne et de son obsession pour les contradictions de l'humanité est clairement mis en évidence dans la dualité de Jekyll et Hyde et les peurs primitives du monstre de Frankenstein.

Un succès modéré à l'époque, Death Line est resté un peu un classique culte négligé; Guillermo del Toro et Edgar Wright parmi les dévots les plus connus. Sa relative obscurité au fil des ans peut être attribuée à la façon dont les distributeurs américains (arrivés près d'un an plus tard le 3 octobre 1973) ont géré la sortie. Pour éviter une note X, American International Pictures a renommé le film Raw Meat , employant une campagne de marketing agressive, une affiche et un dossier de presse poussant l'angle d'exploitation avec quelque chose de plus proche d'un film de zombies: "… land of the HUNGRY DEAD!" D'autres slogans inexacts faisant référence à une tribu de cannibales ― leurs corps légèrement vêtus peints avec des yeux blancs éblouissants ― à la copie s'aventurant jusqu'à décrire comment les cinémas devraient aménager leurs halls avec des chariots à viande, des congélateurs et des attaches de boucherie [7].

Tout cela a rendu un mauvais service au film alors qu'il se dirigeait vers les États-Unis, perdant tout sens de son héritage; y compris les origines gothiques et le commentaire. Il méritait certainement mieux. Comme le souligne Laura Mayne : « Le film de Gary Sherman est un exemple déchirant, brillamment tourné et véritablement terrifiant du genre, mais c'est aussi bien plus que cela ; c'est un film richement détaillé et très engageant qui développe des thèmes complexes sur la classe, l'irresponsabilité des entreprises et l'aliénation de la vie moderne. [8] Cela semble quelque peu pompeux de suggérer qu'un film d'horreur pourrait être "élevé" plutôt que simplement rejeté comme un gorefest (qui est un commentaire inhérent en soi), mais Death Line ― contrairement aux critiques et aux politiciens ― s'est toujours avéré être en avance sur la courbe.

Fin de la ligne

L'influence de Death Line sur d'autres cinéastes semble également évidente. Les comparaisons directes avec An American Werewolf in London et sa scène underground emblématique ― "Je peux vous assurer que ce n'est pas le moins du monde amusant" ― seraient les plus transparentes alors que nous assistons, une fois de plus, à un Britannique pompeux sur le point d'être dévoré vivant. Creep de Christopher Smith est un autre film qui partage des liens évidents - tueur de métro à coup sûr, mais sans le sous-texte - avec Andy Nyman et Ghost Stories de Jeremy Dyson. Ce dernier film, bien qu'il ait un sens de l'humour noir sous-jacent, partage un ton claustrophobe similaire et un monstre sympathique (humain) tragique laissé pourrir dans un égout, qui se révèle par une tournure finale choquante.

Considérant le film à la fois comme une agression des sens et des censeurs, il semble même défier la bureaucratie de l'industrie cinématographique (britannique) elle-même qui a également été longtemps associée à l'establishment, gardant le contrôle de ce que nous "voyons". Cinquante ans se sont peut-être écoulés, mais en tant que classique culte, il continue de montrer (non censuré) un message clair sur les inégalités sociales, dont les "dirigeants" britanniques - dans les retombées d'un monde en proie à la peste - refusent d'apprendre. Pour nous le rappeler une fois de plus via Jonathan Rigby, l'homme "bien que déchiré par la peste septicémique et enclin à mordre la tête des rats, est une figure intensément sympathique par rapport aux vies ratatinées et aux valeurs déformées de ceux" au-dessus "de lui; au milieu d'une dégradation inimaginable, il est infiniment plus humain que n'importe lequel d'entre eux. " [9] On pourrait penser qu'il y a eu des progrès, mais cela ne fait qu'établir d'autres parallèles avec l'inégalité sociale qui sévit toujours ; de l'incendie de la Grenfell Tower ― les riches désertant une fois de plus les pauvres avec un manque de mesures de sécurité rappelant que les ouvriers du sous-sol coûtent trop cher à creuser ― à la tempête politique et économique constante qui a suivi une île fUKd flottant de plus en plus loin de l'Europe.

Il semblerait que l'Establishment ― pendant ces moments d'ouverture sinistres ― soit tout aussi avide de chair, sa corruption et ses activités charnelles faisant allusion au cannibalisme à suivre ; le politicien, un instant inconscient, emporté dans les ténèbres par un produit monstrueux de sa propre cupidité et de sa négligence. Évidemment pas au sens littéral, mais s'il y avait un moment où l'establishment devait être dévoré par les "enterrés" et les oubliés, les réduits au silence - l'épine dorsale de la Grande-Bretagne considérée comme les rejetés de la société - ce serait maintenant. Death Line n'est peut-être pas le film le plus subtil à délivrer un message aussi important, mais cela ne fait que renforcer le chef-d'œuvre "underground" négligé de l'horreur britannique que reste le film.

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