Nikki Columbus sur l'œuvre d'art à l'ère de la reproduction mécanique

LA MATERNITÉ EST TENDANCE dans le monde de l'art - une renaissance, si vous voulez, jamais vue depuis . . . enfin la Renaissance. Longtemps considérée comme un handicap professionnel pour les jeunes artistes et les travailleurs de l'art, la maternité a été adoptée comme un sujet par les femmes qui ont des enfants à un âge plus avancé, après avoir atteint un certain niveau de réussite professionnelle, comme le montrent les œuvres récentes de Camille Henrot, Tala Madani et Laurel Nakadate. Le motif s'est multiplié dans des expositions thématiques avec des titres aussi imaginatifs que "Mothering" (Museo Universitario Arte Contemporáneo, Mexico, 2021-22), "Mother!" (Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Danemark, 2021), "Mother" (Mason Exhibitions, Arlington, Virginie, 2022), "Motherhood" (Oregon Contemporary, Portland, 2022) et "Design-ing Motherhood" (2021–, plusieurs lieux), et il a gonflé dans les livres et les colloques, dont How Not to Exclude Artist Mothers (and Other Parents) de Hettie Judah (2022 ) et la conférence de deux jours "(M)otherhood: Art and Life" à la Tate St. Ives en Angleterre (2023).

Le dernier ajout à cette liste a récemment été découvert au bien nommé Museo MADRE (Museo d'Arte Contemporanea Donnaregina) à Naples. Organisée par Florencia Cherñajovsky, l'exposition "Think Tank: REPRODUCTIVE AGENTS" promettait une perspective prospective, qui tiendrait compte de la façon dont les biotechnologies ont élargi l'éventail des corps capables de créer la vie. Presque toutes les œuvres ont été réalisées au cours des cinq dernières années par une coterie internationale de treize artistes. Alors pourquoi mon cœur se serrait-il alors que je traversais une pièce après l'autre ? L'exposition s'est doublée d'images évidentes - des ventres distendus ici et là, des utérus désincarnés partout. Au lieu d'offrir un contrepoint historique, les artistes établis n'ont fourni que la reconnaissance d'un nom. Pregnant Woman in X-Ray Suit, un croquis de 1965 de Lynn Hershman Leeson coincé dans un couloir, ressemblait à un travail plus intéressant de l'artiste. Et tout en procurant un plaisir visuel, les dessins à l'encre érotiques des années 1940 du pionnier de l'op art Victor Vasarely étaient une inclusion mystifiante. (Est-ce qu'une femme qui se fait baiser par un cheval compte vraiment comme une "hybridité" ?)

Les relations interspécifiques ont été explorées de manière plus significative dans la vidéo de trente minutes Reproductive Exile, 2018 de Lucy Beech, qui examine comment les traitements de fertilité sont alimentés par le "travail des femmes" dans tout le règne animal. Saviez-vous que certains médicaments destinés à stimuler l'ovulation sont distillés à partir de l'urine des femmes ménopausées ? Ou que d'autres traitements hormonaux sont fabriqués à partir de la pisse de juments maintenues dans un état de gestation quasi constant ? (Ne vous sentez pas stupide; Donna Haraway non plus.1) Magnifiquement filmé dans des teintes sourdes et aseptiques, le récit fracturé observe calmement son protagoniste désespéré, qui s'est rendu en République tchèque pour obtenir un traitement de FIV et une maternité de substitution. Bien que l'histoire semble tout droit sortie de la science-fiction dystopique, elle est basée sur des faits : il existe vraiment une machine bioprothétique de la taille d'un paquet de lingettes pour bébé qui imite le cycle de reproduction féminin, bien que des modèles génétiquement individualisés soient encore à venir.

Tous les personnages de Reproductive Exile sont blancs, reflétant l'énorme coût des traitements de fertilité et le désir de ses bénéficiaires d'avoir un enfant qui "leur ressemble", comme le déclare plus d'une fois le directeur de la clinique. Dans la salle suivante de l'exposition, l'installation vidéo de Tabita Rezaire Sugar Walls Teardom, 2016 - une chaise d'examen rose avec des étriers et un moniteur vidéo - a rempli le contexte historique. Au milieu d'un mash-up post-internet en Technicolor éclatant (explosions volcaniques, eau tumultueuse et modèles 3D flottants de, oui, un utérus), un texte animé rend hommage aux femmes noires qui ont apporté des contributions scientifiques sans leur consentement : Henrietta Lacks, dont les cellules cervicales cancéreuses ont joué un rôle clé dans les avancées médicales des dernières décennies ; Anarcha, Lucy, Betsey et d'autres femmes asservies qui ont subi d'horribles expériences médicales aux mains du soi-disant père de la gynécologie moderne, J. Marion Sims, au milieu des années 1800. La vidéo se termine par un rituel de guérison cosmique de plusieurs minutes pour les utérus traumatisés.

Cependant, il manquait à cette présentation de l'utérus autonome un engagement soutenu envers l'avortement. Malgré la centralité de ce droit humain fondamental dans toute discussion sur la reproduction - et son statut de plus en plus menacé, y compris en Italie - les seules allusions à celui-ci étaient les pilules RU-486 en forme de missile et le cintre sur le feutre appliqué d'Elektra KB " Protest Signs " (2021–). Les familles queer et les corps trans étaient également remarquablement absents, bien que ceux-ci aient été mentionnés de manière taquine dans les étiquettes murales (faisant référence à des œuvres non incluses dans le spectacle).

L'exposition a laissé l'impression que la maternité est biologique et non relationnelle. Surtout compte tenu de la récente vague d'écrits qui cherchent à déplacer la reproduction sexuée dans la formation des familles - par Ruha Benjamin, Haraway et Sophie Lewis, entre autres - cette insistance curatoriale sur les moyens traditionnels de parenté était surprenante, et cela a conduit à une vue étroite sur le sujet. Malgré la prémisse déclarée d'aller au-delà de la biologie, l'exposition a fini par la centrer.

La biologie est certainement au cœur de "Cere anatomiche" (Cires anatomiques), à l'affiche jusqu'au 7 juillet à la Fondazione Prada de Milan. Certes, cette exposition n'est pas strictement « sur » la maternité ; il se concentre plutôt sur la représentation scientifique du corps féminin à la fin du XVIIIe siècle, définie par sa capacité de reproduction. L'exposition présente des modèles de cire hyperréalistes ainsi que des dizaines de dessins anatomiques empruntés à La Specola, le musée d'histoire naturelle de Florence, fermé pour rénovation. Fondé en 1775, quelques années seulement après la Galerie des Offices, le musée abritait l'un des plus importants ateliers de céroplastie de l'époque. Les ateliers de cire étaient la technologie par excellence pour étudier l'anatomie humaine lorsque les cadavres réels à dissection étaient difficiles à se procurer (et à conserver); ils ont également fourni des divertissements populaires (et des titillations), et La Specola était une étape importante du Grand Tour. (La collection a été admirée par le marquis de Sade, qui s'est enfui en Italie l'année de l'ouverture du musée, et l'héroïne éponyme de sa Juliette [1797] lui rend une visite respectueuse lors de son road trip dans la région.)

Là où les salles lumineuses de La Specola regorgeaient de modèles, de dessins et de spécimens, rappelant ses origines Wunderkammer, les galeries de la Fondazione Prada possèdent l'étendue somptueuse d'un espace de vente au détail luxueux. À l'étage supérieur du bâtiment Podium, recouverts des somptueux gris et bruns des murs en mousse d'aluminium de qualité militaire et des sols en travertin strié, quatre personnages de cire grandeur nature sont espacés, comme des victimes de bombes allongées sur des lits dans un hôpital de campagne cinq étoiles. Une grande partie de la galerie repose dans l'ombre; le seul éclairage provient des luminaires rectangulaires sensibles au mouvement suspendus au-dessus de chaque vitrine. Aux deux occasions que j'ai visitées, les expositions étaient continuellement plongées dans l'obscurité alors que moi et les autres spectateurs regardions fixement leur étrangeté écrasante et étrange.

Contrairement à d'autres modèles anatomiques de l'époque, ces figures féminines ne sont pas représentées comme des cadavres. Les yeux ouverts et la tête inclinée vers l'arrière, allongés sur des matelas de velours rose drapés de soie ivoire, les statues de cire étaient appelées "Vénus" en raison de leur beauté idéalisée - ainsi que, peut-être, de leurs faibles tentatives de pudeur (cf. La Naissance de Vénus de Botticelli, la Vénus Médicis, etc.). En effet, certaines de leurs poses sages se lisent presque comme un coup de poignard à l'humour noir : les jambes légèrement croisées pour protéger un point d'entrée (visuel), tandis que, juste au-dessus, les torses sont évasés - les seins écartés et ouverts lorsque les entrailles explosent vers l'extérieur. Bien qu'une figure semble intacte, sa section médiane peut être ouverte et "disséquée", révélant des couches d'organes amovibles et, enfin, un petit fœtus. Neuf autres modèles en cire sont des coupes transversales de l'utérus, coupées à mi-cuisse. Celles-ci représentent non seulement la gestation mais aussi l'activité sexuelle policière, distinguant la «pudenda féminine d'une vierge adulte» de la «pudenda féminine déflorée».

C'est un matériau effrayant mais fascinant, et cela demande une contextualisation. Malheureusement, peu de choses sont proposées dans l'espace de l'exposition. (Le butoir d'un catalogue, en revanche, comprend des dizaines de textes, pour la plupart des réimpressions, d'historiens des sciences, de l'art et de la culture visuelle.) C'est peut-être parce que le spectacle a été coorganisé par David Cronenberg, le réalisateur canadien spécialisé dans l'horreur corporelle. Son film le plus récent, Crimes of the Future (2022), propose la chirurgie comme art de la performance et présente un "concours de beauté intérieure" - un concept suggéré pour la première fois dans Dead Ringers, son thriller gynécologique de 1988 (ressuscité au printemps dernier sous la forme d'une mini-série avec un véritable intérêt pour la santé des femmes, moins le style tendu de l'original)2. évaluation" - et a contribué à un (très) court métrage.

Malheureusement, ce dernier est une déception. Magnifiquement installée à l'intérieur d'une petite pièce octogonale au rez-de-chaussée avec des contremarches en bois flanquant un écran double face, la vidéo de quatre minutes de Cronenberg retire les Vénus de leurs vitrines et les fait flotter numériquement au-dessus d'une douce eau céruléenne. (La rumeur veut que le réalisateur ait imaginé les personnages dansant dans la piscine du Château Marmont.) Le titre fou, Four Unloved Women, Adrift on a Purposeless Sea, Experience the Ecstasy of Dissection (2023), est souligné par la bande sonore, sur laquelle quelqu'un semble avoir laissé couler un robinet tandis qu'une femme soupire et respire fortement - peut-être dans le récepteur même que Cronenberg a utilisé pour téléphoner dans l'œuvre.

Cela dit, le court métrage permet des vues rapprochées et des teintes vibrantes qui ne peuvent être aperçues dans l'installation pénombre à l'étage. La caméra de Cronenberg, langoureuse et perverse, trace des membres translucides sur longues jambes vers le haut pour encercler avec amour des intestins ondulés ressemblant à des saucisses avant d'arriver aux regards vitreux et aux lèvres légèrement entrouvertes des personnages. D'autres plans se concentrent sur les zones d'incision, la rencontre de l'épiderme et des entrailles ; le punctum abject au milieu de toute cette chair et de ces tissus sont les plis errants des cheveux qui ont échappé aux tresses ondulantes et aux merkins flous des modèles. Un autre bonus est le démontage accéléré de la seule Vénus complète, bien qu'il se termine avant de révéler le fœtus. (Ce détail vital et intime était-il trop fragile ou simplement trop éloigné des intérêts de Cronenberg ?)

Malgré les siècles entre les œuvres exposées, les expositions de Naples et de Milan présentaient de curieuses similitudes. Les deux organes détachés bien en évidence. Ni l'un ni l'autre n'a présenté de progéniture au-delà de la naissance. Et vous n'apprendrez pas de l'une ou l'autre émission que la grossesse est la partie la moins intéressante de la maternité - ce n'est même pas une exigence. Bien sûr, la croissance d'un organisme vivant dans un autre semble toujours étrange et étrangère (et extraterrestre) et peut donc être visuellement convaincante. Mais restreindre la reproduction au sexuel ignore les nombreuses façons dont les humains ont trouvé pour former des liens, créer des familles, prendre soin les uns des autres et traumatiser les générations à venir.

Nikki Columbus est une écrivaine basée à New York. Sa conversation avec l'écrivain Mirene Arsanios est incluse dans la collection Why Call It Labor? Sur la maternité et le travail artistique (Mophradat et Archive Books, 2021).

REMARQUES

1. "D'une manière ou d'une autre, spécialiste des études féministes en sciences et amoureuse des animaux depuis toujours, mon moi ménopausique n'en savait pas beaucoup sur les juments gestantes et leurs poulains jetables", écrit Haraway. "Est-ce que j'ai oublié, je n'ai jamais su, je n'ai pas regardé - ou tout simplement je m'en fous? . . . Les mouvements sociaux pour l'épanouissement des animaux avaient remarqué ces chevaux et en avaient fait une histoire très efficace, et ces mouvements étaient pleins de femmes et d'hommes féministes. Pourquoi pas moi aussi? Est-ce seulement après qu'il s'est avéré que HRT a probablement nui à mon cœur plutôt qu'il ne l'a protégé que les chevaux sont entrés dans mon ken?" Extrait du chapitre 5, "Awash in Urine: DES and Premarin in Multispecies Response-ability", dans Donna J. Haraway, Staying with the Trouble: Making Kin in the Chthulucene (Durham, NC: Duke University Press, 2016), 111.

2. Les vrais chefs peuvent acheter le NFT 2022 de Cronenberg, Inner Beauty : un JPEG des calculs rénaux du réalisateur.