Hollywood a pris la décision calculée d'arrêter de faire des films sur les syndicats - et ce n'est pas parce que les gens ne les regardaient pas

La question de savoir comment l'industrie exploite le travail est aussi ancienne que le concept d'industrie lui-même. C'est le moteur qui fait tourner les romans de Charles Dickens, la jungle de The Jungle and Oil ! d'Upton Sinclair, la préoccupation centrale du romantisme britannique et la cible de la liste législative de Franklin Roosevelt établissant une journée de travail de 8 heures et créant un ministère du Commerce et du Travail dans la poursuite de sa vision utopique d'une société sans classes. FDR a signé la loi Wagner, officiellement la loi nationale sur les relations de travail, en 1934, donnant aux employés le droit de former et d'adhérer à des syndicats et obligeant les employeurs à s'engager dans des négociations collectives de bonne foi. Ce n'était pas de l'altruisme. Roosevelt réagissait à une récente série de conflits de travail sanglants, de prises de contrôle d'usines et de villes, aux États-Unis. Il espérait que la négociation remplacerait l'effusion de sang. Pendant un certain temps, il l'a fait. Les représentations cinématographiques des conflits de travail trouvent souvent leur inspiration dans les conflagrations qui éclatent au pays et à l'étranger avant la loi Wagner. Le premier long métrage de Sergei Eisenstein, Strike (1925) utilise le style de montage transversal créé par Lev Kuleshov qu'Eisenstein attribue largement à la vulgarisation, reste une vision étonnamment moderne de la façon dont les propriétaires d'usine traitent leurs ouvriers. La résolution du film oblige le gouvernement à rassembler des travailleurs en grève dans un champ pour les exécuter alors que des images d'un taureau abattu sont entrecoupées pour souligner l'horreur de l'intervention parrainée par l'État et, littéralement, la façon dont les travailleurs sont vus par leurs maîtres. Ce n'est pas subtil, mais c'est persistant.

D'autres grands films ouvriers incluent l'extraordinaire Matewan (1987) de John Sayles qui met en scène une grève des mineurs de charbon en 1929 dans une petite ville minière de Virginie-Occidentale ; L'Organisateur (1963) de Mario Monicelli aborde les ouvriers du textile de Turin au tournant du siècle dernier ; The Molly Maguires (1970) de Martin Ritt traite de manière sinistre et ambiguë d'une sorte de terrorisme populaire en jeu dans les mines de charbon de Pennsylvanie en 1876 ; How Green Was My Valley (1941) de John Ford (maintenant injustement connu principalement comme le film qui a battu Citizen Kane pour la meilleure image) présente une grève de mine qui divise dans sa première moitié, payée dans sa seconde par une catastrophe minière au Pays de Galles au XIXe siècle ; et The Land (1970) de Youssef Chahine détaille les luttes entre propriétaires terriens et leurs locataires dans une Égypte sous contrôle britannique vers 1930. Tous cataloguent la souffrance des impuissants, forcés de travailler pour survivre et tenus pour acquis pour leur désespoir. Chacun se termine par des interventions violentes, parfois meurtrières, afin de forcer le respect. L'intransigeant The Killing Floor (1984) de Bill Duke ajoute un élément racial fort à ces histoires, racontant la véritable lutte des pauvres métayers noirs pendant la Première Guerre mondiale, rejoignant le syndicat Amalgamated Meat Cutters & Butcher Workmen of North America afin de s'organiser contre le racisme répandu et endémique et divers abus quotidiens. Bien que chacun de ces films puisse être lu comme des métaphores de problèmes qui restent non résolus, en tant que pièces d'époque, ils sont plus susceptibles d'être appréciés – ou peut-être rejetés – en tant qu'artefacts d'un âge moins éclairé souffrant d'indignités que les travailleurs modernes n'ont plus à endurer. Les pouvoirs en place aimeraient que chaque centimètre concédé soit le dernier terrain donné, et les films sur des problèmes progressistes de toutes sortes ont tendance à donner à ceux qui pourraient faire une différence l'impression qu'ils avaient déjà donné au bureau proverbial.

Plus difficile à rejeter est quelque chose comme Salt of the Earth (1954) de Herbert J. Biberman, avec sa distribution d'acteurs professionnels et non professionnels, réunis pour protester contre leur traitement aux mains d'un conglomérat minier de zinc qui contrôle une ville peuplée par leurs employés majoritairement mexicains-américains. Basé sur une grève de 1951 contre Empire Zinc Company dans le comté de Grant, au Nouveau-Mexique, une partie de son indignation réside dans la nouvelle tactique de rupture de grève de l'entreprise consistant à utiliser la nouvelle loi Taft-Hartley de 1947 qui restreint un large éventail d'activités de grève et de boycott des syndicats, émoussant de nombreuses avancées de la loi Wagner de Roosevelt. Truman a essayé d'y opposer son veto mais a été annulé par un Congrès républicain. (Ce n'est pas pour rien que la loi Landrum-Griffin de 1959 a continué à édulcorer le pouvoir de négociation des syndicats.) Salt of the Earth, avec une équipe créative qui avait, pour une part, été mise sur liste noire par le House Un-American Activities Committee, procède avec une juste fureur contre une force de police qui a été créée et n'a jamais été efficace que pour protéger la propriété des riches ainsi que des sociétés conçues, comme toutes les sociétés sont conçues, pour ne s'occuper que des portefeuilles de leurs actionnaires. Cette même année, Elia Kazan, après avoir nommé des noms lors de son témoignage devant HUAC, réalise On the Waterfront (1954) avec Marlon Brando et le scénariste Budd Schulberg réécrivant un scénario initialement écrit par Arthur Miller. Son histoire de l'ex-combattant et débardeur Terry Malloy témoignant contre ses dirigeants syndicaux corrompus est incontestablement un classique, mais aussi souillé de manière indélébile par Kazan utilisant le racket du travail comme couverture, voire comme excuse, pour son propre comportement déshonorant. Néanmoins, la séquence finale où un Malloy (Brando) malmené titube pour travailler à l'approbation de ses pairs cols bleus, reste un moment émouvant dans la carrière d'un de nos grands acteurs même si son efficacité en tant que cri de ralliement de la classe ouvrière est atténuée à cause de son créateur. En vérité, Salt of the Earth et On the Waterfront peuvent être discrédités en tant que films pro-travailleurs, ou du moins distraits de leur message syndical, pour la dualité des motivations de leurs créateurs.

Trois films clés des années 1970, cependant, ont centré les mouvements ouvriers tout en les forçant à une conversation moderne. Il s'agit du magnifique documentaire de Barbara Kopple, Harlan County, USA (1976), de la populiste et primée Norma Rae (1979) de Martin Ritt et de l'extraordinaire premier film de Paul Schrader, Blue Collar (1978). La plus populaire d'entre elles, Norma Rae, est sans doute la moins efficace d'entre elles. Dans ce document, Sally Field, qui a remporté un Oscar pour son interprétation d'une ouvrière d'une filature de coton d'une petite ville de Caroline du Nord, convaincue par l'organisateur syndical new-yorkais Reuben Warshowsky (Ron Leibman) d'exiger de meilleurs salaires et conditions de ses maîtres. Champ est une force de la nature en elle, mais une grande partie de l'image est large et donnée à la caricature de classe. C'est de la hicksploitation de prestige. En apprenant que Reuben est juif, Norma Rae déclare qu'il est le premier qu'elle ait jamais rencontré et qu'elle a été élevée pour penser qu'ils étaient des monstres inhumains. Pour sa part, il désapprouve la qualité non-Nathan des hot-dogs servis au match de baseball communautaire. Le film fonctionne mieux lorsqu'il traite du conflit entre les organisateurs et l'administration de l'usine, mais il passe une partie importante de son temps d'exécution sur des bêtises de poisson hors de l'eau, le mariage de Norma Rae avec son collègue schlubby Sonny (Beau Bridges) et son courage irrépressible pour répondre à diverses situations. Le moment clé de l'image n'est pas l'arrêt de travail inévitable qui est encadré comme la manifestation à la Pyrrhus qui met fin à Dead Poets Society (1989), mais une première réunion chez Norma Rae et Sonny où ils invitent quelques-uns de leurs collègues noirs à participer. Soudain, Norma Rae reconnaît, ne serait-ce qu'une seconde, l'importance de l'intersectionnalité dans l'organisation du travail et comment le racisme est utilisé comme un outil de division pour maintenir les travailleurs fragmentés et impuissants. Le reste, hélas, est principalement un mélodrame outsider centré sur l'héroïsme individuel d'une femme blanche. C'est un superbe divertissement, mais c'est vraiment tout ce qu'il est.

Kopple's Harlan County, USA est, en revanche, un film transformateur, une étape importante dans laquelle Kopple militarise la théorie des Maysles Brothers du "cinéma direct" dans laquelle le documentariste est strictement un observateur de leurs sujets, permettant aux histoires de se dérouler sans interférence artistique. Kopple a travaillé avec les Maysle sur leurs documentaires phares Salesman (1969) et Gimme Shelter (1970) avant de créer sa propre société de production pour laquelle le comté de Harlan, aux États-Unis, était son premier projet. Elle est l'une des héroïnes méconnues de la plus grande période cinématographique de l'histoire du médium. Il faudrait quatre ans pour terminer avec Kopple écrivant des demandes de subvention constantes sur place tout en portant deux armes à feu en raison des menaces de mort des propriétaires de mines contre lesquelles les mineurs du comté de Harlan dans le Kentucky s'organisaient. Le produit de son dévouement est une chronique encore inégalée d'une époque et d'un peuple engagés dans une bataille pour la décence fondamentale contre une machine capitaliste entièrement désintéressée d'eux comme autre chose que de l'eau pour leur entreprise. Un mineur à la retraite raconte une fois où il a été averti de ne pas conduire de mulets dans des zones dangereuses de la mine. "Et moi?" il demande. Son contremaître dit "On peut toujours embaucher une autre personne, il faut payer les mules". Kopple fournit des mesures montrant les profits scandaleux de la mine par rapport à l'absence presque totale d'ajustements salariaux des travailleurs au cours de la même période. La disparité des richesses est choquante et, en l'occurrence, trop familière aux téléspectateurs modernes. L'écart de richesse aux États-Unis n'a jamais été aussi marqué en 2023, les salaires stagnent, l'activisme syndical augmente à nouveau, les gens sont en colère et il y a une rareté flagrante de films liés au travail. Plus à ce sujet dans une seconde.

Blue Collar de Schrader (1978) est un film d'un noir absolu, voire nihiliste, sur les travailleurs de l'automobile du comté de Wayne, dans le Michigan. La tension sur le plateau (Richard Pryor et son garde du corps ont battu Harvey Keitel pour avoir ruiné une prise est la meilleure histoire) a contribué à créer un film d'angoisse et d'agressivité sans soulagement. Pryor, Keitel et Yaphet Kotto jouent les cols bleus qui conspirent pour voler leur syndicat corrompu, seulement pour les trouver s'affrontant avec des promesses de titres dénués de sens et d'augmentations de salaire dérisoires. Ce qui commence comme un film de cambriolage se termine par une mise en accusation dévastatrice de la façon dont l'efficacité des syndicats est entravée par la cupidité des individus dans le détroit de chèque de paie à chèque de paie conçu pour les maintenir en ligne. Lier les soins de santé au travail est barbare, une abomination morale, et le sans-abrisme s'avère une menace existentielle efficace et constante qui pèse sur les anti-héros de la classe ouvrière de Schrader.

Barbara Kopple a réalisé un autre documentaire extraordinaire sur un mouvement ouvrier en 1990, Rêve américain, et Boots Riley a réalisé l'indescriptible et féroce Désolé de vous déranger en 2018 – une synthèse brillante et convaincante de la satire raciale et de classe qui brosse un tableau désastreux de la prochaine évolution de l'entrepôt Amazon en colonie de travail pénitentiaire. C'est si brillant en fait, et si prémonitoire, qu'il faudra encore quelques années avant qu'il ne soit considéré comme une satire de science-fiction visionnaire plutôt que comme une simple satire de science-fiction maximaliste. The Manchurian Candidate (1962) de John Frankenheimer a été perçu de la même manière lors de sa sortie et maintenant il joue comme un avertissement pittoresque qui n'a pas prédit à quel point les choses allaient vraiment mal tourner. Et au-delà ? Un silence notable autour de ce qui est à nouveau sans doute l'un des sujets les plus populaires et les plus pressants aux États-Unis.

Reagan a licencié 11 000 contrôleurs aériens en grève en 1981, mais Joe Biden a signé une loi interdisant aux cheminots de faire grève pour de meilleures conditions de travail et de sécurité à la fin de l'année dernière. Rien de tout cela n'est de l'histoire établie. Le mouvement né à Buffalo contre Starbucks et les violations flagrantes et multiples de la loi Wagner par cette société ont abouti à un témoignage humiliant de leur ancien et futur PDG, Howard Schultz, devant le Congrès. Tout reviendra si décoché. Notre planète de singes tend vers la brutalité. Les nazis défilent sans cagoule et remportent des mandats électifs et le travail des enfants redevient permis dans un monde où la main-d'œuvre d'entrée de gamme est épuisée.

De manière très concrète autour des questions de diversité et de progrès social, Hollywood contrôle le récit populaire et s'est avéré, à plusieurs reprises et de manière flagrante, non seulement insuffisant mais dangereusement régressif.

Et maintenant, la Writers Guild of America s'est engagée dans un arrêt de travail, susceptible d'être rejoint par des acteurs et des réalisateurs à l'expiration de leurs propres conventions collectives. Peut-être que la raison pour laquelle nous ne voyons plus de films sur le travail, et ce n'est pas le cas depuis un certain temps, est qu'il est dans l'intérêt d'Hollywood (un Hollywood largement détenu par des sociétés multinationales si vous cherchez une raison de vous en soucier) de ne pas encourager l'accord parmi une main-d'œuvre qui demande actuellement aussi peu qu'une part de 3 % dans ce qui est de tous les comptes (sauf celui d'Hollywood) est une augmentation sans précédent des bénéfices. De manière très concrète autour des questions de diversité et de progrès social, Hollywood contrôle le récit populaire et s'est avéré, à plusieurs reprises et de manière flagrante, non seulement insuffisant mais dangereusement régressif. Il n'y a pas de véritable diversité dans sa classe dirigeante, après tout, et ils sont inenseignables tant qu'ils n'ont aucune raison d'apprendre. La seule façon de toucher les entreprises – qui ne sont pas des personnes, quoi que permette le 14e amendement – ​​qui voient le travail des autres comme le produit de leur propre main, est d'arrêter de produire jusqu'à ce que l'argent et les décisions créatives autour de son déploiement soient redistribués aux personnes qui font réellement le travail. Regardez Harlan County, USA et Blue Collar pour comprendre comment rien ne nous a jamais été donné : seulement gagné. Regardez-les pour vous rappeler que la politique de division sous toutes ses formes laides ne profite qu'à un seul camp. C'est pourquoi les syndicats sont importants dans toutes les industries. C'est tout un combat. Restez solidaire ou gaspillez votre vie dans l'enrichissement supplémentaire de personnes déjà incroyablement riches.

Walter Chaw est le critique de cinéma principal de filmfreakcentral.net. Son livre sur les films de Walter Hill, avec une introduction de James Ellroy, est maintenant disponible.